La successione di Fibonacci è una sequenza matematica affascinante e ricca di implicazioni estetiche e scientifiche. Essa inizia con i numeri 0 e 1, e ogni numero successivo è la somma dei due numeri precedenti. Questa sequenza ricorsiva, spesso denominata anche “successione aurea”, è rappresentata come:

0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, …

Dove ogni numero successivo è dato dalla somma dei due numeri precedenti. Ad esempio, 1+2=3, 2+3=5, 3+5=8, e così via.

Una derivazione geometrica interessante della successione di Fibonacci è la Spirale Aurea. Questa si ottiene costruendo una serie di quadrati, i cui lati sono dati dalla somma delle misure dei lati dei due quadrati precedenti. Se tracciamo un arco di cerchio avente per raggio il lato del quadrato più grande, si ottiene una spirale logaritmica.

La Spirale Aurea ha una bellezza intrinseca ed è presente in molti aspetti del mondo naturale e dell’arte. È stata ammirata fin dai tempi antichi, rappresentando le proporzioni ideali nell’architettura greca e influenzando l’estetica rinascimentale. Inoltre, è stata utilizzata da grandi artisti e musicisti, come Mozart, nelle loro opere.

Ma ciò che rende ancora più affascinante la Spirale Aurea è la sua presenza diffusa nella natura. Essa si manifesta nella struttura del DNA, nella crescita di molti organismi e nella disposizione dei pianeti nel sistema solare. La proporzione aurea può essere osservata in molte forme di vita e modelli naturali, dando prova della sua presenza universale.

In sintesi, la successione di Fibonacci e la Spirale Aurea rappresentano due concetti matematici e geometrici affascinanti, la cui bellezza e importanza si riflettono sia nell’arte e nell’estetica umana, sia nei misteri e nelle armonie del mondo naturale.

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Testo critico di Bruno Corà sull’attività artistica e sulla poetica dell’artista Marco Nereo Rotelli.

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Nel corso degli ultimi tre secoli, i Mousgoum hanno stabilito la loro dimora nelle pianure alluvionali che attraversano il confine tra il nord del Camerun e il Ciad. I Mousgoum e la loro celebre casa, chiamata tolek a Munjuk, sono noti in Occidente almeno dal 1850, quando l’esploratore tedesco Heinrich Barth viaggiò attraverso l’Africa settentrionale e centrale. Si credeva che il tolek Mousgoum, una cupola indipendente fatta di argilla, fosse scomparso già negli anni ’30, a causa di una combinazione di lavoro forzato durante il colonialismo francese, emigrazione dei Mousgoum, cambiamenti nelle strutture sociali, malattia e morte.

Durante il mio lavoro preliminare sul campo a Pouss e dintorni nel 1994, ho notato solo pochi tolekakay ancora in piedi. Tuttavia, a partire dal 1995, c’è stata una rinascita nella costruzione di queste case, e oggi quasi venti nuovi tolek si trovano a Pouss e dintorni. Inoltre, alla fine del 1995, è avvenuta una vera esplosione di pittura murale, gran parte della quale raffigura il tolek. Questa rinascita contemporanea del tolek e delle sue immagini murali riflette la coscienza storica dei Mousgoum e la loro paura di una perdita culturale irreversibile. Essi comprendono profondamente l’importanza della connessione tra architettura e patrimonio culturale, e sia il governo del Camerun che l’Occidente hanno riconosciuto l’importanza del tolek.

La struttura del tolek è diventata una forma sincretica alla fine del ventesimo secolo, con radici indigene e carica di una comprensione e interpretazione delle idee esterne da parte dei Mousgoum. Un evento di rilievo è stata la celebrazione dell’apertura della stagione turistica 1996 nel nord del Camerun, avvenuta a Pouss il 30 dicembre 1995. Questa celebrazione è stata un incontro tra il locale e il nazionale, il tradizionale e il (post)moderno, il passato e il presente, e tra i Mousgoum e i turisti occidentali. Durante questa giornata di festeggiamenti, i Mousgoum hanno definito se stessi e si sono presentati al mondo esterno. Il processo di definizione di sé è stato un intreccio necessario dei fili del passato e del presente, del sé e del non sé, che ha formato un tessuto unitario.

Per i Mousgoum, questa autorappresentazione contemporanea non riguarda solo il loro passato, ma anche quello dell’Occidente. Un filo di questo tessuto è costituito dal famoso viaggio di Andre Gide in Africa centrale nel 1925. Gide è stato indubbiamente l’occidentale più noto a visitare i Mousgoum (che ha identificato come “Massa”, un popolo vicino). Nel suo straordinario passaggio sul tolek, ha fornito il testo più citato sulla struttura (Gide 1994 [1927]: 217-18):

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Delocazione, 2008, Tecnica Mista su tavola (fuliggine e fumo), 130 x 117, Courtesy of Collezione Roberto Casamonti

Scegliendo di occupare nel 1970 nella Galleria di Modena uno spazio che serviva da riserva, Claudio Parmiggiani scopre sui muri la traccia della polvere accumulata al termine degli anni. L’artista decide di fare un fuoco con degli pneumatici e delle coperte. Un fumo chiaro e grigio si deposita sugli oggetti che poi ritira. L’ombra diventa allora una forma plastica, un modello di polvere che fissa dal suo interno l’oscillazione del tempo. La rappresentazione si avvicina anche al metodo fotografico che prende l’immagine, la inverte, crea un negativo prima di svilupparlo. Le sue Delocazioni – è il nome dato a queste sue opere – sono uno spazio vuoto di percezioni fisiche, dove però lo spettatore ha la sensazione di penetrare in un luogo abitato. L’assenza di oggetti esposti in precedenza rende i muri ancora più chiari; non c’è più che la loro traccia fuligginosa da vedere. Parmiggiani creerà un’installazione in situ per quest’esposizione.

Un’opera deve essere violenta. Deve essere come un pugno nello stomaco. Silenziosa ma dura, dura ma silenziosa, come un fuoco sotto la cenere, oscura, ringhiosa.

Claudio Parmigiani

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Il fuoco è un tema particolarmente affascinante, secondo le parole di Jannis Kounellis. Il suo interesse per questo elemento va oltre la sua natura di fenomeno problematico, comprendendo anche i suoi legami con le leggende medievali, dove il fuoco rappresenta sia castigo che purificazione.

A partire dagli anni intorno al 1965, Kounellis si allontana dalla pittura e, a partire dal 1967, nell’anno della cosiddetta “Margherita di fuoco”, il fenomeno della combustione inizia a manifestarsi frequentemente nelle sue opere. In un’opera in particolare, Kounellis mette a confronto la natura e la cultura, mostrando la fiamma ossidrica usata per tagliare le foglie di metallo, sostituendo così la vita organica del fiore con il fuoco stesso, simboleggiando il suo rinnovamento.

Il suo fuoco è intriso di una benefica potenza alchemica, che spazia dalla mistica fiamma delle sue prime opere, fino alla suggestiva presenza di fuliggine negli ultimi anni. Un’esperienza artistica che unisce la forza visiva e simbolica del fuoco con la poetica di Kounellis, trasmettendo un profondo significato sulla natura umana e sulla sua continua rinascita.

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Così come concettualizzato nell’Arte Povera, Pier Paolo Calzolari lavora fin dall’inizio con materiali in costante conversazione tra loro, umili e provenienti dai contesti semi-industriali urbani o elementi naturali. Tra questi ci sono il fuoco, il legno, ma anche rottami, oggetti quotidiani e tubi al neon. Le sue opere sono opere d’incontro in tutti i sensi, tra lo spettatore e l’oggetto che vive nel quotidiano, che in questo caso ha subito una trasformazione, ma anche tra elementi artificiali e lavorati in opposizione all’elemento naturale e allo stato primordiale, come il fuoco. Dal 21 al 24 aprile, in occasione della vernice, si terrà la performance Mangiafuoco in cui un vero e proprio performer sputerà fuoco a cadenza oraria, dalle 11 alle 19.

_{Performance replicata al Museo Madre di Napoli nel 2019.}

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Il rapporto di Alberto Burri con il fuoco è un connubio tra ispirazione creativa e formazione scientifica. L’artista ha sempre desiderato approfondire il modo in cui il fuoco consuma, comprendendo la natura della combustione e come ogni cosa può vivere e morire in essa, formando un’unità perfetta. Per realizzare le sue opere, Burri ha bisogno prima di tutto di una superficie su cui comporre. Successivamente, dispone la plastica e la brucia, ma nulla è lasciato al caso. Tutto è attentamente controllato e padroneggiato, creando una forma di pittura altamente controllata e controllabile. La capacità di padroneggiare la tecnica è fondamentale per controllare il materiale e dare vita alle sue composizioni.

_{Alberto Burri fotografato da Aurelio Amendola nel 1976.}

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Yves Klein fu attratto dall’aspetto dialettico del fuoco, simbolo sia del bene che del male, di distruzione e rigenerazione e di vita e morte. «Il fuoco è per me il futuro senza dimenticare il passato. È la memoria della natura. È dolcezza, il fuoco “è dolcezza e tortura”. È il focolare e l’apocalisse. È un piacere per il bambino sapientemente sedutosi vicino al camino; punisce, tuttavia, ogni disobbedienza quando si vuole giocare troppo da vicino con le sue fiamme. È benessere e rispetto. È un dio tutelare e terribile, buono e cattivo.»

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“Knockin’ On Heaven’s Door” è una delle canzoni più cantate nell’ampio catalogo di canzoni di Bob Dylan. Scritta originariamente nel 1973 per il western di Sam Peckinpah Pat Garrett e Billy the Kid, la canzone è diventata un capolavoro lirico. Dylan pubblicò “Knockin’ On Heaven’s Door” come singolo poco dopo l’apparizione della canzone nella colonna sonora del film, con il lato B “Turkey Chase”. La traccia ha scalato le classifiche di Billboard e alla fine ha raggiunto la posizione numero 12, rendendola un successo ai suoi tempi; oggi è considerata una delle migliori canzoni di tutti i tempi. Nel 1975, Eric Clapton ha offerto la sua interpretazione della canzone, prima contribuendo con la chitarra alla versione della canzone infusa di reggae di Arthur Louis e successivamente registrando la sua versione. Durante la fine degli anni ’70 e ’80, la Jerry Garcia Band aveva spesso la canzone in rotazione, e anche i Grateful Dead la ripresero negli anni ’90. Anche il cantante R&B Randy Crawford ha pubblicato una cover della canzone e molte altre. La versione più famosa, tuttavia, è “Knockin’ On Heaven’s Door” pubblicata come cover nel 1990 dai Guns ‘N’ Roses. La loro versione è forse anche più popolare dell’originale di Dylan, diventando un successo internazionale per la band nei primi anni ’90. Dal punto di vista dei testi, il significato di “Knockin’ On Heaven’s Door” può essere interpretato direttamente allineando la canzone con la scena del film per il quale era stata originariamente scritta, Pat Garett e Billy the Kid.

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Il poema incompleto del poeta statunitense Ezra Pound, scritto tra il 1915 e il 1962, è considerato uno dei capolavori della letteratura modernista.  Raccolto in una decina di volumi, si suddivide in 117 sezioni, ognuna delle quali costituisce un canto.

Riportiamo, di seguito, parte di The Pisan Cantos: una delle molte sezioni dei Cantos, spesso confusa con l’intera opera, comprendente i canti 74-84. Scritta alla fine della Seconda guerra mondiale (1945), prende vita nel periodo in cui l’autore venne internato in un campo di detenzione dell’esercito statunitense ad Arena Metato, presso Pisa.

Tematiche come la letteratura, il mito, la storia passata e presente, l’economia e la politica costituiscono il contenuto dei Cantos e, allo stesso modo, nelle opere in prosa. Difatti, opere come l’Odissea e la Divina Commedia sono di grande ispirazione per Pound: da una parte per il mondo dei viaggi, dall’altra per l’evocazione di personaggi del presente e del passato.

In virtù di questa forte influenza, una delle principali caratteristiche dei testi dell’autore è la frequente citazione di opere antiche utilizzando lingue classiche fra cui il greco, il latino e il cinese. Questa tecnica rende l’opera non solo oggetto di numerosi studi, ma unica nella sua incantevole complessità. 

Alla laboriosità del poema contribuiscono le soventi allusioni a eventi storici, una costante brama di voler rivivere cronache del Mediterraneo antico, dell’Estremo oriente, dell’America e dell’Europa premoderna e moderna.

Ezra Pound si aggiudicò il premio Bollingen nel 1949, istituito da alcuni importanti intellettuali sotto l’egida del Governo degli Stati Uniti. Tale premiazione suscitò diverse polemiche: Pound era stato indiziato e processato in quanto sostenitore del regime fascista e, successivamente, posto in stato di detenzione per tradimento. Seguitamente, ritenuto incapace di intendere, l’autore venne recluso nel manicomio giudiziario criminale St. Elizabeths di Washington.

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